DeLillo, atardeceres, dolor, Hegel, romanticismo

Don DeLillo, Point Omega; Scribner, New York, 2010.

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The man thinks in cosmic scale. We know this.

Don DeLillo, Point Omega

El otro día uno de los administradores de la bitácora de Arcadi Espada señalaba este blog como muestra de uso de una jerga crítica incomprensible. Sinceramente creo que no es así en términos generales, pero hoy voy a disfrutar dándoles motivos de sobra. El concepto de sublime estético es uno de los más tratados desde su primera formulación, que creo realizada que por el filósofo griego Longino en su tratado Περὶ ὕψους. A pesar de su larga tradición, lo sublime no deja de reaparecer bajo las más diversas formas, disfrazado en otros tantos avatares: “sublime abstracto, sublime americano, sublime contemporáneo, sublime deconstructivo, sublime digital, sublime poético, sublime postmoderno, sublime tecnológico o sublime virtual son sólo algunos”[1], señala Domingo Hernández Sánchez a la entrada de su ameno y recomendable La comedia de lo sublime (2009), primer título de la nueva editorial independiente Quálea. Hernández Sánchez y Alberto Santamaría son dos jóvenes pensadores formados en la Universidad de Salamanca y que han hecho del concepto de sublime en su compleja relación con lo contemporáneo el eje de su investigación filosófica, imagino que influenciados por José Luis Molinuevo, quien también elabora incursiones en sus libros sobre cómo el sublime romántico ha perdurado en nuestro tiempo a través del tecnorromanticismo, residuo estético epocal que preña desde ciertas construcciones ciberfilosóficas hasta la estética del videojuego[2].

Se preguntarán qué tienen que ver estas consideraciones estéticas con la última novela de Don DeLillo, y la respuesta es todo. Para empezar, la novela se genera tras la contemplación de una obra de arte conceptual. Creo que el narrador omnisciente que cuenta el primer y el último capítulo es el propio DeLillo, amén de un personaje elíptico y secundario de la trama. En un artículo de Charles McGrath sobre el libro, DeLillo cuenta que Point Omega nace al visitar una instalación de Douglas Gordon en el MOMA en 2006, consistente en una enorme pantalla donde la película Psicosis había sido ralentizada hasta que su duración se alargaba hasta las 24 horas, convertida en un día entero. Aquí puede verse una muestra:

Esas visitas son descritas en el espléndido capítulo introductorio. A DeLillo la intervención de Gordon sobre la película le causa una viva impresión, como al narrador en off del relato, y va a verla durante cuatro días, en los cuales le sorprende el poco tiempo que aguantan los visitantes la contemplación de una cinta que parece detenida, pero que no lo está, y en la que sucede una forma de duración nueva. El novelista, que ya había visto la película en su formato común, descubre en esta lentísima proyección detalles en los que no se había fijado. Deduce que no estamos acostumbrados a mirar de verdad las cosas, y que hay todo un mundo en lo cotidiano del que prescindimos al mirarlo de pasada. Alcanza un sentimiento de “total alertness, eye and mind” (p. 101), o el personaje anónimo de su novela lo alcanza, y decide escribir sobre ello: el resultado es Point Omega, término que representa de forma simbólica el punto que está algo más allá de nuestra conciencia. Este capítulo introductorio y el final se llaman “Anonymity” 1 y 2, y da la impresión de que el propio DeLillo se ha disuelto en el anonimato del narrador.

Esta es la primera comunicación con los problemas estéticos, pero hay más. En el conflicto entre cierto tipo de sublime y el concepto de accidente contemporáneo se mueve buena parte de la narrativa de DeLillo y Point Omega en particular. Pensemos en el “airborne toxic event” que subvierte la vida de la pequeña ciudad de White Noise (1985, publicada en España como Ruido de fondo). Un escape tóxico a la atmósfera produce numerosos muertos y afectados, pero su resultado final son unos atardeceres inmarcesibles, unas puestas de sol de belleza tan extraña e inenarrable que los habitantes de la ciudad terminan las tardes en un paso elevado sobre la autopista, para contemplar mejor su luminosidad, olvidando que esa belleza cargada de partículas químicas tiene su antecedente en un episodio trágico (una de las más conocidas formas de lo sublime). Idéntica tensión hay en Falling Men y en otras obras del autor, y Point Omega no es una excepción. Incluso tiene su párrafo épico sobre el atardecer: “To Elster sunset was human invention, our perceptual arrangement of light and space into elements of wonder. We looked and wondered. There was a trembling in the air as the unnamed colors and landforms took on definition, a clarity of outline and extent” (p. 18). En la novela hay apenas tres personajes: el cineasta Jim Finley, el profesor y asesor militar Richard Elster, sobre el que aquél quiere rodar una película, y Jessica, la hija del profesor. La novela transcurre en el desierto californiano de Anza-Borrego (McGrath lo sitúa erróneamente en Arizona), del que mostramos unas fotos para que el lector se haga una idea del entorno, fundamental en la novela. Un lugar en el que el tiempo no se paraliza, sino que se convierte en “deep time, epochal time” (p. 72). La grandiosidad del espacio natural que rodea a la pequeña casa donde sucede la acción es el elemento anticlimático de la novela frente al discurso continuo de los protagonistas, enfrascados en conversaciones de corte metafísico que se interrumpen por la acción de la naturaleza, materializada en la rotundidad del alba, los atarcederes gloriosos, las lluvias torrenciales: “we went back to the living room and talked about what we were talking about when the sky broke open” (p. 39). Los protagonistas literalmente enmudecen ante lo natural, apenas pueden pensar (“it was hard to think clearly. The enormity of it, all that empty country”, p. 76), y precisamente aquí tenemos otra conexión con lo sublime. Dice Hegel, abordando el tema de la idea y la forma, que “la idea evoluciona en esta materia, intenta que sea su forma adecuada y apropiarse de ela. Pero dado que es aún desmesurada, no puede apropiarse de la materia natural, y hacérsela verdaderamente adecuada; por ello la trata de una manera negativa, intenta elevarla hacia ella y lo hace de una forma igualmente desmesurada, triturándola, violentándola y esparciéndose en ella. En esto consiste lo sublime”[3]. Si forzamos las palabras de Hegel y pensamos en el discurso como una de las materializaciones formales de la idea artística, podemos vertebrar una tensión que es justo sobre la que se asienta Point Omega. Una obra donde el flujo de ideas choca de frente, como en los poemas de Wordsworth, contra la grandiosidad de la naturaleza, produciendo la perplejidad absoluta y, también y como consecuencia, la incapacidad del arte para satisfacer nuestra necesidad de absoluto, como sentenció el propio Hegel en el mismo lugar[4]. En la novela de DeLillo la contemplación de la naturaleza dirige continuamente a los protagonistas al silencio, un silencio –como bien ha visto Hernández– que no debe ser confundido con la ausencia (La comedia de lo sublime, p. 194); parecidas montañas a las que dejaban perplejo al autor de The Prelude sumen en el mutismo a Jim, Richard y Jessica, como símbolo de que, en realidad, todo está ya dicho: Richard no puede contar, Jim no puede rodar, Jessica no quiere compartir. La amenaza de la naturaleza en estado salvaje es el fondo de todo, es el escenario gigantesco del que sólo se salvan cuando están dentro de la pequeña casa, donde las paredes ocultan las montañas. Entonces pueden intentar comunicarse, cuando la naturaleza no se (re)presenta en su brutal omnipotencia. En una esclarecedora imagen, el cineasta Jim se enmarca (“framed myself”) imaginariamente desde las montañas, comprobando su pequeñez, como símbolo de su carencia de importancia (p. 56). Santamaría ya explicó cómo para la estética estadounidense y su concepto de lo sublime el elemento espacial, el poder de la naturaleza, es consustancial a todo arte digno de tal nombre; a su juicio, en “el espacio cultural norteamericano desde el siglo XIX” lo geográfico es el factor más propicio a ser considerado como “lugar de apropiación de lo sublime”[5]. Casi en forma de respuesta, DeLillo escribe: “I tried not to think beyond geography, every moment defined by the desolation around us” (p. 81). Evidentemente, lo intenta pero no lo consigue.

Point Omega tiene puntos de contacto con otras novelas del autor. La reflexión sobre los haikus, especialmente importante a nuestros efectos porque los define como “human consciousness located in nature” (p. 29), recuerda a las que hacía sobre el espacio paginal de la poesía moderna el protagonista de Cosmópolis: son formas de humanizar de forma estética el espacio, de lograr ausencias reales[6] que llegan a su culmen cuando Richard, en el punto omega de Point Omega dice: “volvamos a la materia inorgánica. Esto es lo que queremos. Queremos ser piedras en un campo” (p. 53), donde la disolución inerte en la naturaleza hostil es ya absoluta. También repite DeLillo un detalle psicológico que había utilizado en White Noise: “A little later I watched Steffie in front of the TV set. She moved her lips, attempting to match the words as they were spoken” (White Noise; Penguin Books, New York, 2009, p. 84); “When she was a child, she used to move her lips slightly, repeating inwardly what I was saying or what her mother was saying” (Point Omega, p. 48, véase también p. 113). Hay un aire de familia en todos sus libros, pero Point Omega me parece –junto quizá con Body Art– la novela donde DeLillo va más lejos en el uso de la sutileza y la alusión, donde con más precisión hunde el bisturí en el decir exacto a fin de conseguir los máximos efectos con los menores recursos posibles: un desarmante y milagroso minimalismo metafísico y léxico. El crítico del New York Times habló de prosa becketiana. Imaginen el cruce exacto e imposible entre las prosas de Beckett, MacCarthy y Heidegger y por ahí está el último DeLillo.

Lo sublime ya no es lo que era. “Desde la doctrina aristotélica de la catarsis al libre juego de las facultades kantianas, o a lo bello como perfecta correspondencia entre el interior y el exterior en Hegel, la experiencia estética parece haber sido siempre descrita en términos de Geborgenheit, de seguridad, de ‘integración’ o ‘reintegración’”[7]; para Vattimo es con Heidegger y Benjamin cuando esa experiencia comienza a aparecer en los terrenos de lo no familiar, lo desarraigado, bajo la idea del extrañamiento y la “oscilación”. Cuando pienso en un novelista actual que represente a la perfección este arte oscilatorio y atento siempre a lo oscuro de nuestro interior, el nombre de Don DeLillo es el primero que acude a mi mente. La poética de DeLillo es una poética del mal, del malestar. Del desasosiego y el desequilibrio que originan la violencia y la muerte en nosotros, puesto que para DeLillo, como ya apuntase hace tiempo Eduardo Lago, el tema central es, desde luego, el del miedo a la muerte. Cada nueva novela es una sesión más de una terapia incesante para luchar contra ese miedo, que seguramente en vez de remitir se acrecienta, al ser más viejo DeLillo en cada novela. Creo que, para DeLillo, como para William Hazlitt, “hoy, lo sublime es en primer lugar una experiencia del misterio del mundo, un escalofrío metafísico, una gran sorpresa”[8].

Y su arte, es cierto, no nos sacia el ansia de absoluto. Pero casi:

“Antes de entrar en el interior Elster apretó mi hombro, diríase que de forma tranquilizadora, y yo permanecí en la terraza un rato, demasiado hundido en mi silla, en la noche misma, para alcanzar la botella de escocés. Detrás de mí, la luz de su dormitorio se proyectó hacia fuera, iluminando el cielo; y qué extraño parecía, la mitad del cielo acercándose, todas esas masas incandescentes incrementándose en número, las estrellas y constelaciones, porque alguien encendía una luz en una casa en el desierto, y yo lamentaba que él no estuviese ahí para escucharle hablar sobre esto, lo lejano y lo próximo, sobre lo que creemos que estamos viendo cuando no lo vemos” (p. 54).

[Relación con el autor reseñado: ninguna.

Relación con la editorial: ninguna.

Traducciones nuestras]

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[1] Domingo Hernández Sánchez, La comedia de lo sublime; Quálea Editorial, Torrelavega, 2009, p. 11.

[2] “La industria cultural tecnorromántica es la solución para ello. Mito y modernidad tecnológica se unen en la creación de un mundo encantado, donde casi todo es posible ahora y desde luego en un futuro sin final aparente. Los sufrimientos de los seres de frontera son una atracción de feria. La violencia estetizada de los videojuegos, su hiperrealismo, anida en el fondo oscuro de lo sublime que ya detectó Burke: para el individualismo de masas no hay nada más fuerte estéticamente que una ejecución en directo, en el sentido literal de la palabra. El espectáculo del sufrimiento ajeno es el mejor medio de prevenir el aburrimiento propio”; José Luis Molinuevo, Magnífica miseria. Dialéctica del Romanticismo; CENDEAC, Murcia, 2009, p. 139.

[3] G. W. F. Hegel, Introducción a la Estética; Península, Barcelona, 2001, p. 160.

[4] G. W. F. Hegel, op. cit., p. 45.

[5] Alberto Santamaría, El idilio americano. Ensayos sobre la estética de lo sublime; Ediciones Universidad de Salamanca, 2005, p. 13.

[6] Sobre esto, véase V. L. Mora, “Introducción. Las ausencias reales”, Pasadizos. Espacios simbólicos entre arte y literatura; Páginas de Espuma, Madrid, 2008, pp. 11ss.

[7] G. Vattimo, “El arte de la oscilación”, La sociedad transparente; Paidós, Barcelona, 1996, p. 143.

[8] Citado por Alberto Santamaría en “La escritura del suceso. El poema y la revisión de lo sublime”, en Antonio Notario Ruiz (ed.), Estética: perspectivas contemporáneas; Ediciones Universidad de Salamanca, Salamanca, 2008, p. 204.